La gravure est divisée en deux espaces superposés. Dans la moitié inférieure, une femme nue est allongée sur un fond vierge. Son corps a des proportions empruntées au canon maniériste: hanches et cuisses puissantes, seins menus. Il est représenté comme vu à travers une lentille déformante. La couche de Rosa est invisible, ce qui rend sa position tendue et inconfortable. Elle retouche un chignon ouvragé dans un geste au raffinement exquis, emprunté à Michel-Ange ou Pontormo. La protagoniste de cette « Vénus dévoilée » est Rosa Estadella, la jeune épouse barcelonaise de l’artiste, qui lui a déjà servi de modèle.

L’absence de repères autour de Rosa est troublant : est-ce une vision ? une apparition ?

Son visage est caché, il est tourné vers la partie supérieure de la planche composée d’une  forme anthropomorphe féminine allongée à la fois écorchée, géométrisée et mécanisée, sur fond d’un paysage côtier. Elle est constituée d’emboîtement de sphères, de cordages et de tuyaux. Sous le cœur apparaissent les viscères : artères, vaisseaux et tubes relient l’ensemble. Une sphère blanche habitée par une nichée d’oiseaux évoque un ventre que masque en partie un drapé agité par le vent. Cette sphère se trouve dans l’axe du soleil  et du ventre de Rosa. À droite, en guise de jambes, des cordes, des papiers découpés et des formes géométriques s’amalgament. Plus loin, une volée de marches guide le regard vers la falaise. Dans l’angle supérieur gauche, se trouvent des têtes au profil monstrueux, un corps entaillé, un livre ouvert, ainsi qu’une ébauche de femme enceinte. Rosa contemple son image inversée réfléchie par un effet de miroir.

À l’arrière-plan, le paysage côtier occupe un espace restreint. Deux falaises encadrent la mer. Juste au-dessus de l’horizon (est-ce l’aube ou le couchant), le soleil éclaire de ses rayons toute la composition. Si ses rayons rappellent ceux de la comète de Melencolia I (1514) d’Albrecht Dürer, le croissant de lune qui le traverse évoque Le Mélancolique (1596) de Jacob de Gheyn II. Cette scène irréelle se déroule-t-elle de jour, comme l’indique le titre, ou durant une éclipse ?

voir la section: Mélancolie

Ne serait-ce pas une lumière allégorique nous éclairant sur la nature de la femme et par extension de la beauté ? Jean-Pierre Velly a ici renversé un grand classique de l’art, la femme allongée et nous dévoile ses intérieurs, comme si pour reconnaître la beauté de l’une, il fallait pouvoir « faire la lumière » sur l’autre, cette lumière de la connaissance indissolublement liée à la mélancolie.

Dans Rosa au Soleil, exécutée lors de son séjour à la Villa Médicis, Jean-Pierre Velly reprend des éléments de la planche précédente, Maternité au Chat (1967). Le thème du double et du miroir s’affirmera dans Trinità dei Monti (1968). Rappelons que Rosa a mis au monde leur fils Arthur en 1967; la maternité se trouve au centre des préoccupations de l’artiste.

Rosa al sole, 1968

traduzione: Fondazione Il Bisonte, Firenze

L’incisione è suddivisa in due spazi sovrapposti. Nella metà inferiore una donna nuda è adagiata su un fondo vergine. Le proporzioni del suo corpo sono improntate a canoni manieristi: anche e cosce possenti, seni minuti. È raffigurata come vista attraverso una lente deformante. Il giaciglio di Rosa è invisibile, il che rende la sua posizione tesa e scomoda. Lei si aggiusta l’elaborato chignon con un gesto di raffinatezza squisita, derivato da Michelangelo o dal Pontormo. La protagonista di questa “Venere svelata”1 è Rosa Estadella, la giovane sposa barcellonese dell’artista, che ha già posato per lui come modella.

L’assenza di riferimenti attorno a Rosa è inquietante: si tratta di una visione? di una apparizione? Il suo viso è nascosto, rivolto verso la parte superiore della lastra, occupata da una forma antropomorfica femminile a sua volta adagiata, scorticata, resa geometrica e meccanica, contro lo sfondo di un paesaggio costiero. È costituita da un incastro di sfere, cordami e tubi. Sotto il cuore appaiono le viscere: arterie, vasi sanguigni e tubi legano tutto l’insieme. Una sfera bianca, abitata da una nidiata di uccelli, pare quasi un ventre, celato in parte da un drappo mosso dal vento. La sfera si trova sull’asse che va dal sole al grembo di Rosa. A destra, a guisa di gambe, corde, ritagli di carte e forme geometriche si amalgamano tra loro. Più lontano, una rampa di scale conduce lo sguardo verso la scogliera. Nell’angolo superiore sinistro troviamo teste dai profili mostruosi, un corpo tagliato, un libro aperto, come pure un abbozzo di donna incinta. Rosa contempla la propria immagine rovesciata, riflessa da un effetto di specchio.

Sullo sfondo, il paesaggio costiero occupa uno spazio ristretto. due scogliere incorniciano il mare. Proprio dal filo dell’orizzonte (è l’alba o forse il tramonto) il sole illumina coi suoi raggi tutta la composizione. Se i raggi ricordano quelli della cometa della Melencolia I (1514) di Albrecht Dürer, la falce di luna crescente che attraversa il disco solare evoca Il malinconico (1596) di Jacob de Ghein II. Questa scena ideale si svolge di giorno, come suggerisce il titolo, o durante un’eclissi? Non sarà per caso una luce allegorica che ci illumina sulla natura della donna e, per estensione, della bellezza? Jean-Pierre Velly qui ha stravolto un grande tema classico dell’arte – la donna distesa – e ce ne svela l’interiorità, come se per riconoscere la bellezza dell’una, fosse necessario «gettar luce» sull’altra, una luce di conoscenza indissolubilmente legata alla malinconia.

In Rosa au soleil, realizzata durante il suo soggiorno a Villa Medici, Jean-Pierre Velly riprende elementi di una sua lastra immediatamente precedente: la Maternité au chat (1967). Il tema del doppio e dello specchio si affermerà in Trinità dei Monti (1968). Ricordiamo  inoltre che Rosa diede alla luce suo figlio Arthur nel 1967; la maternità si trovava dunque in quel momento al centro delle preoccupazioni dell’artista.

1

L’espressione si riferisce al titolo del catalogo «Vénus dévoilée, La Vénus d’Urbino

du Titien», Snoeck 2004.

Julie et Pierre Higonnet

Rosa in der Sonne

Julie und Pierre Higonnet

Aus dem Französischen von Marie-Louise Brüggemann

Der Stich ist in zwei übereinanderliegende Bereiche unterteilt. In der unteren Hälfte liegt eine nackte Frau auf einem kahlen Untergrund. Ihr Körper hat Proportionen, die dem Kanon des Manierismus entliehen sind: kräftige Hüften und Schenkel, kleine Brüste. Die Darstellung wirkt so, als ob die Figur durch eine verzerrende Linse betrachtet wird. Die Unterlage, auf der sie ruht, ist nicht zu sehen, wodurch ihre Haltung angespannt wirkt und unbequem scheint. Sie ordnet ihren Haarknoten mit einer ausgesucht erlesenen Geste, die von Michelangelo oder Pontormo stammen könnte. Die Protagonistin dieser »entblößten Venus«1 ist Rosa Estadella, die junge Ehefrau des Künstlers, die aus Barcelona stammt und schon zuvor sein Modell gewesen ist.

Das Fehlen jeglicher Bezugspunkte um Rosa herum ist verwirrend: Ist sie eine Vision? Ein Phantom?

Ihr Gesicht ist verdeckt und dem oberen Teil des Bildes zugewandt. Vor dem Hintergrund einer Küstenlandschaft sieht man eine anthropomorphe weibliche Form, die gleichermaßen aufgerissen wie geometrisiert und mechanisiert ist. Sie besteht aus aneinandergefügten Kugeln, Seilen und Röhren. Unter dem Herzen erscheinen Eingeweide: Arterien, Gefäße und Gänge verbinden das Ganze miteinander. Eine weiße Kugel, in der Vögel nisten, erinnert an einen Bauch; er wird teilweise durch Stofffalten verdeckt, durch die der Wind fährt. Diese Kugel befindet sich auf einer Linie mit der Sonne und Rosas Bauch. Rechts verschmelzen Taue, zerschnittenes Papier und geometrische Formen zu Beinen. Weiter oben leiten Treppenstufen den Blick auf die Felsküste. In der oberen linken Ecke befinden sich Köpfe mit schaurigen Profilen, ein Körper mit tiefen Schnittwunden, ein offenes Buch sowie der Umriss einer schwangeren Frau. Rosa betrachtet sich in ihrem eigenen Spiegelbild.

Die Küstenlandschaft im Hintergrund ist auf einen kleinen Ausschnitt begrenzt. Zwei Felswände rahmen das Meer. Über dem Horizont (ist es die Morgenoder die Abenddämmerung?) erhellt die Sonne mit ihren Strahlen die gesamte Komposition. Ihre Strahlen erinnern an die des Kometen in der Melencolia I (1514) von Albrecht Dürer, und bei der Mondsichel, die sie durchquert, denkt man ebenso an den Kupferstich Melancholicus (1596) von Jacob de Gheyn II. Findet diese unwirkliche Szene am Tage statt, wie der Titel andeutet, oder während einer Verfinsterung? Ist es vielleicht ein allegorisches Licht, das uns über die Natur der Frau aufklärt und im weiteren Sinne über ihre Schönheit? Jean-Pierre Velly hat hier einen großen Klassiker der Kunst – die liegende Frau – ins Gegenteil verkehrt und uns ihr Inneres enthüllt; es ist als ob man, um die Schönheit der einen zu erkennen, auf die andere ein Licht werfen muss, dieses Licht der Erkenntnis, das unlösbar mit der Melancholie verbunden ist.

Mit Rosa in der Sonne, entstanden während seines Aufenthalts in der Villa Medici, nimmt Velly Elemente der vorangegangenen Arbeit Mutterschaft mit Katze (1967) wieder auf. Das Thema des Doppelgängers und des Spiegels wird deutlich sichtbar auch in Trinità dei Monti (1968). Zur Erinnerung: Rosa hat 1967 ihren Sohn Arthur zur Welt gebracht; die Mutterschaft ist das zentrale Thema und Hauptinteresse des Künstlers in jener Zeit.

1 Dieser Begriff bezieht sich auf den Titel des Katalogs »Entblößte Venus, Die Venus von Urbino von Tizian«, Snoeck, 2004.